TOOL - Lateralus

Si quieres escuchar el más claro ejemplo de lo que es lo más cercano a la perfección en un género, y a la aplicación de matemáticas en cuanto a la generación de progresión de compases, solo hay una palabra que lo evoca todo: Lateralus.

Después de haber impactado a muchos en el 96 con su álbum Ænima; 5 años después, el 15 de Mayo del 2001 la banda norteamericana de metal progresivo (por catalogarlos de alguna forma) TOOL, le mostró al mundo que aún tenían mucho más con que explotarnos las cabezas, y publicó Lateralus. Considerados por muchos como no solo el mejor trabajo de la banda, si no el más fino exponente de art rock y progresivo de la nueva era.

El disco maneja una temática más trascendental en comparación con las anteriores entregas de la banda, manejando un plano más metafísico y espiritual, con algunos tintes de filosofías antiguas como el Budismo. Son 78 minutos con 51 segundos de un despliegue increíble de virtuosismo tanto instrumental, como lírico. Alcanza tal complejidad, que el modo más correcto para realizar un análisis de este, sería dividirlo en dos secciones: la “mundana” donde hablaremos de la música, producción y un vago análisis compositivo, para después proseguir con la sección un poco mas trascendental (más acá) donde trataré de hacer una síntesis de lo que representa el disco y su proceso creativo, al igual que alguno de sus secretos (Así de mamón esta este pedo).

Lateralus consta de 13 tracks, todos finamente escritos, interpretados y grabados (hasta tracks de interludio como “Mantra”, que sólo es el gato de Maynard ronroneando, para después alentar la grabación) los cuales convergen y conviven de una manera tan natural, que por momentos el disco se siente como una gran canción y no 13, y no se puede esperar menos de estos 4 músicos. Increíbles métricas y potentes baterías creadas por Danny Carey, líneas de bajo poderosas y en algunas ocasiones hipnóticas por Justin Chancellor; Riffs de guitarra redondos y fluidos y sobre todo necesarios son los que grabo Adam Jones, el cual cabe mencionar que es el director de arte y de los videos de la banda. Y para ponerle la cereza a este pastel de talento bañado con jarabe de “awesomeness” Maynard descarga sus pulmones bañando nuestros oídos con esa poderosa y hermosa voz.

Como el género indica, la progresión es una parte clave en las piezas, casi a manera de evolución, cada una de las canciones se van desenvolviendo de una manera en extremo orgánica, tanto las más pesadas y empapadas de metal, como las mas tranquilas e hipnóticas, y ese sentimiento de evolución también se percibe en ambos ordenes de tracks (sí ,sí, ahora explico eso) eso aunado con el uso de HDCD (High Definition Compatible Digital) para la grabación y master, lo cual ya es muy común hoy en día, pero hace diez años era una herramienta abrumadoramente útil, ya que permitía aumentar la calidad de grabación, dejando escuchar en su totalidad la sensación orgánica y análoga; en el caso de TOOL, dejando escuchar todos los matices de la batería, los bulbos de los amplificadores y la calidad tonal de la voz de Maynard (canta re bonito este chavo).


Algo que igual destaca mucho de Lateralus, son las composiciones largas en su mayoría, contando con un promedio de entre 6 y 7 minutos por canción. Carey en alguna entrevista mencionó que una limitante fue el espacio en los CD´s (80min) y que no querían crear un álbum doble, ya que sentían que Lateralus es energía que debe fluir en un solo CD y no ser cortado en 2. La cuestión de la duración de las canciones igual afectó el orden en el que se acomodaron en la versión de lujo en vinil, dando un tercer orden (prometí que explicaría los otros 2, aguanten) poco fluido y no planeado para Lateralus.

En cuanto a las letras, Lateralus aborda varios temas, pero el que más sobresale es la trascendencia del espíritu y la mente sobre el cuerpo, el plano metafísico, el cuerpo como un templo y la mente y el alma como la energía vital, nuestra divinidad y como permanecer humanos dentro de ella, y espirales… sí, espirales, pero ahora explico eso. Muchos de estos temas son tomados por diferentes puntos de vista, como es el caso de “Schism”, el primer sencillo del disco, donde como el nombre lo dice, es la cisma o separación dentro del seno de una religión, evocando al despertar interno del hombre.

Retomando a Adam Jones (el guitarrista), él maneja todo a lo que se refiere a la imagen de la banda, tanto videos como arte de los álbumes y show (y también realiza todo el maquillaje y stop-motion en videos. ¡Dios! El sujeto creó a los velociraptores de Jurassic Park) y Lateralus es otro claro ejemplo de su talento y con colaboraciones de el artista plástico avant grade psicodélico Alex Grey (el cual también inspiró musicalmente a la banda) ayudaron a darle un cuerpo físico a Lateralus, reafirmándolo, y siguiendo la temática en la música, plagaron el booklet de easter eggs (pequeños secretos, o bromas escondidas) los cuales aún no han sido descubiertos en su totalidad según Jones.

Ahora entrando a la parte donde explicamos las espirales y su importancia (la parte más acá). Lateralus fue compuesto, arreglado, medido y armado en base a la secuencia numérica de Fibonacci, también conocida como el numero áureo. Para hacerles el cuento corto sobre la secuencia Fibonacci, es una secuencia numérica descrita por un matemático italiano llamado Leonardo de Pisa en el siglo XIII, y es explicada por la siguiente formula ƒn = ƒn – 1 + ƒn – 2, lo que nos da como resultado la secuencia siguiente : 0,1,1,2,3,5,8,13,21,etc y así hasta el infinito. Explicada en cristiano vendría siendo algo así como el numero actual sumado por su anterior, dan como resultado el numero siguiente, y así sucesivamente. Y seguro se preguntan ¿y eso qué chingaos güey? Pues fíjense amiguitos que esa secuencia es la definición matemática de una espiral, conocida como el numero áureo que determina el crecimiento de las hojas en un árbol, la distancia de los ojos a la boca y a la nariz en un rostro, la longitud de los brazos de una persona, el crecimiento demográfico en una sociedad y muchas otras cosas importantes en el mundo.

¿cómo por qué TOOL usaría la secuencia Fibonacci y cómo la usó? El por qué aún no está claro, eso ya implica definir la locura de cada artista, pero según lo que han dado a entender, teniendo en cuenta a la espiral generada por Fibonacci como lo que define a gran parte de la vida, lograr separar al hombre de esta espiral, entrar y salir de ella es parte de su despertar. Ahora, en cuanto a su uso, el primer indicio de este está en la canción número 9, la homónima al álbum, donde para empezar los tiempos en que trabajan son 9/8, 8/8 y 7/8, en ese orden, dando un 987 que es el decimo sexto número en la secuencia. Los cambios de métrica y los acentos en la batería al igual que la progresión en los fraseos de guitarra y bajo los marca la secuencia, pero lo más marcado es el numero de silabas y el orden en que se canta y divide la letra a lo largo de la canción subiendo y bajando a través de la secuencia en sus primeros dígitos, aquí un ejemplo:

black (1 silaba)
then (1)
white are (2)
all I see (3)
in my in-fan-cy (5)
red and ye-llow then came to be (8)
rea-ching out to me (5)
lets me see (3)


Y junto con eso, la letra de la canción menciona el salir de la espiral para separar al cuerpo de la mente. “Lateralus” es el ejemplo más claro del uso de Fibonacci en el álbum, pero hay otro uso de este, oculto dentro de las letras, a manera de instrucciones.

Algunos años y varios fanáticos ociosos después del lanzamiento del disco, se descubrió que Fibonacci afectó en más de una forma al disco, ya que había un orden alterno y secreto de cómo acomodar las canciones, dándole otra sensación, completamente diferente al disco, pero sin perder su fluidez y lógica. Pero ¿cómo funciona esto? Pues la cosa esta así: poniendo los 13 tracks en una línea y tomando el track 7 como el centro simétrico y obvio de estos, se empieza a graficar una espiral que irá tocando en diferente orden a las canciones, generando el orden alterno. El nuevo orden (6,7,5,8,4,9,3,10,2,11,1,12,13) a simple vista tiene 2 puntos importantes: mantiene a “Parabol” y “Parabola” juntas, como la gran canción que conforman, al igual que en el orden original, y mantiene a “Faaip De Oaid” al final, manteniendo la coherencia de este.

El nuevo orden devela más secretos, como por ejemplo, la figura en la batería al final de “Schism” se mantiene al principio de “Ticks and Leeches”, o sonidos al final de canciones que continúan al inicio de otras canciones en el nuevo orden, como “The Grudge” que se escucha una compuerta abrirse. Ahora, todo esto no ha sido confirmado por la banda (tampoco negado), pero son muchas coincidencias para que sea solo una teoría de fans, claro, a mi parecer. Pero independientemente de ser real o no la secuencia alterna, Lateralus es un disco impecable, casi perfecto, y un must en cualquier colección de todo melómano definitivamente.

En conclusión, si te gusta el progresivo, el metal, el art rock, o eres alguien que aprecia música realmente bien hecha, pensada, y letras profundas, Lateralus es la opción. No es un disco muy fácil de escuchar, pero se le agarra el gusto muy rápido, y a 10 años de su lanzamiento original, sigue tan vigente como el primer día.


Para que lo bajen chavos

http://www.mediafire.com/?dzv7zv44jrt

Y aquí el video de Parabol/Parabola, para que igual puedan apreciar todo el trabajo de Adam Jones como director, animador, maquillador, etc.

http://www.youtube.com/watch?v=RiV_ue-PbL4&feature=related

James Blake - James Blake LP

Buenas! En esta ocasión les hablare de James Blake y su primer LP homologo. James Blake es un joven compositor ingles de música electrónica, multi instrumentista y verdadero prodigio, ya que a su corta edad tiene bastante trayectoria en el genero. Con tan solo 22 años ha establecido una carrera prominente en el mundo de la musca electrónica under y sus sub géneros, y a partir del 6 de Enero de este año, con la publicación de su primer LP, esta dando a conocerse mas, inclusive ha tenido su propia emisión en el programa Sessions de la BBC.

Balke cuenta ya con varios EP´s desde el 2009, 4 para ser exactos: Air & Lack Thereof, The Bells Sketch, CMYK y Klavierwerk, este ultimo publicado en Octubre del 2010, los cuales le generaron un extenso grupo de seguidores tanto en Inglaterra como sus alrededores. Pero no fue hasta este año, con la salida del James Blake LP que Blake se reafirmara como el talento joven que es.

Y entrando de lleno al disco, seguro se estarán preguntando ¿Pero como a que suena goey? Pues dejen les cuento. Blake se mueve mucho dentro de lo que son Dubstep, Experimental, 2-step, Ambient y el Organic Electronic, y a pesar de que en sus entregas anteriores sus canciones eran mayormente instrumentales, en este LP Blake nos da la sorpresa de que canta, y lo hace muy bien para ser honestos; tiene una voz bastante suave lo cual queda como anillo al dedo a sus composiciones. Por otro lado, cuando uno piensa en electrónica y no esta muy familiarizado con el genero, enseguida piensa en música de antro europeo a mediados de los 90´s, pero no! No todo es House y Techno amiguitos! James no trae una enorme gama de texturas y sonidos, la gran mayoría acústicos o análogos (reafirmando el Organic Electronic) inclusive en sus presentaciones en vivo, cuenta con un baterista usando un sampler o un set eléctrico, en lugar de usar una caja de ritmos, o algún secuenciador digital, y esta misma dinámica aplica para todos los instrumentos, sonidos y efectos del disco a la hora de interpretarlos en vivo.

A pesar de los géneros que encierra el álbum, se cuenta una gama algo amplia de influencias de otros, mas aun resaltados por el piano, que para Blake es su instrumento principal. Podemos encontrar influencias de Soul, ligeros toques de R&B, atmosferas y progresiones de Blues y algunos matices de beats de Hip-hop (mas bien reminiscencias) pero todo esto envuelto en el sonido de Blake. En ocasiones me evoca al Play de Moby de cierta forma, solo que en su versión melancólica.

Experimentación y modificación de Sampleos es gran parte de este disco, al igual que el uso de efectos a manera casi de instrumentos, y muchos sonidos de sintetizadores y baterías ya clásicos. Arreglos y líneas vocales bastante interesantes, al igual que de coros vocales (ahí es donde entra ese feeling R&B, como de iglesia afro americana que a todos nos gusta) y por otro lado sonidos nuevos irreconocibles, como guitarras tan saturadas de efectos que suenan a todo menos a guitarras.

El Álbum consta de 11 tracks, bastante variadas entre ellas, pero sin escaparse del genero; lo cual siento que es el punto débil del disco, ya que por momentos no se siente una cohesión completa de este, y te da mas la sensación de un disco de éxitos o el “mix tape” que alguien hizo con canciones de James Blake, pero a pesar de eso, se mantiene la melancolía en todo momento, y si se puede generar una atmósfera a partir de, sin ningún problema. Es un muy buen disco en general, y mas a sabiendas de que es un álbum debut, y a pesar de la juventud de Blake, domina perfectamente el genero creando su sonido y haciéndolo propio.

¿Qué cuanto le doy? Un 7 cerrado. A pesar de los pequeños detalles, es un disco que logra su cometido, esta producido de la manera mas fina (por el mismo James Blake) y despliega una enorme gama de sonidos, de esos que dan gusto al oído. Son de esos discos “pa la lluvia”, acostado en tu cama (si es con alguien mejor) y dejándote llevar por la rica atmosfera creada por el joven talento. ¿Punto fuerte del disco? A mi parecer seria The Wilhelm Scream, y mas aun en vivo, donde se puede apreciar el trabajo en tiempo real de Blake y sus músicos; además cuenta con una letra simple, pero a la cual lo que le falta de complejidad le sobra en hermosura. Es un chico romántico ese James.

Aquí les dejo un link para que lo descarguen y sean felices:

http://www.megaupload.com/?d=OEDPR1D0


Y aquí un video en vivo desde la BBC, para que puedan apreciar lo que les conté sobre The Wilhelm Scream

http://www.youtube.com/watch?v=j78nMSCbBSU

The Good The Bad - From 001 to 017

Hola! hoy les traigo a The Good The Bad, banda de surf salida desde la mismísima Copenhagen en Dinamarca. Surgidos por ahí de finales del 2008, este grupo auto catalogado "the new School Surf & Flamenco" conformado por Adam Olsson en la Lead Guitar (o la lira requintare como dirían algunos dones aferrados seguidores del mítico "Tri souls in mai manid") Johan Lei Gellett en la batería y Manoj Ramdas en la guitarra rítmica barítono (así es niños, no hay bajo, solo una guitarrota) nos traen su primer EP llamado "From 001 to 017" y no podría haber un titulo mas adecuado que ese, ya que son 17 tracks -Duh!- todos instrumentales con una mezcla de Old School Surf, post surf y algunos toques de Stoner rock de lo mas delicioso; pero si esperas Surfing Bird, mejor sigue tu camino.

¿Que puedes esperar de este disco? Riffs de guitarra increíblemente sabrosos, súper sufres (obvio, digo… es de surf) y varios temas movidos aptos para la pista de baile. Aunque igual hay varias canciones algo experimentales y algunas otras algo repetitivas, o por lo menos algo obstinadas en ciertas secciones, y en varias mas una muy marcada influencia del spaghetti western, como por ejemplo en B03 (también puede ser llamada A11) que incluso cuenta con algunos arreglos con trompetas. Canciones como B05 exponen influencias de jazz be-bop y swing.

En general es un muy buen disco, no se añora una voz en ningún momento de este y es muy digerible, su duración de 33 minutos ayuda. No es algo trascendental, ni es un disco que deban escuchar antes de morir, ni tampoco es el mejor exponente del surf mas aun a sabiendas que cuenta con ese detalle del prefijo "Post" en el genero, y los tintes stoner igual lo alejan en ciertos momentos del genero. Pero a pesar de todo es divertido de escuchar, y es una banda que sabe sacarle jugo a un genero en el que es difícil ser original.

No hay mucha tela de donde cortar con ellos, son un grupo nuevo y el álbum es directo y honesto, no se puede decir mas… bueno, tal vez el hecho de que una banda nórdica ande haciendo surf cuando no creo que ni siquiera sepan lo que es tener un buen bronceado, y aun así le salió bien el chistecito.

Mi calificación es un 6.5 que sube a 7 como en la primaria, son buenos músicos, originales en lo que cabe, pero no son el hilo negro… o como se diga. El disco es divertido, para nada tedioso y es música para pasar un buen rato, pero nada trascendental o que deba pensarse de mas.

Les pido una disculpa por la portada, es algo explícita, aunque yo no la hice, así que no debería de disculparme la verdad.

Aquí le dejo un link wooooo

http://www.mediafire.com/?rzsecb9nl8qi4rh

y un video

http://www.youtube.com/watch?v=ki_JT2ElwJA

Radiohead - The King Of Limbs

Después de casi 4 años de espera, el 18 de Febrero Radiohead nos trae su octava entrega de estudio "The King Of Limbs", con la misma dinámica de distribución digital, solo que en esta ocasión, a diferencia del 2007, ya con un precio establecido. Como siempre la tendencia del disco es marcada por los singles y B-sides que van publicando meses atrás, en este caso "These Are My Twisted Words", publicada en la pagina de la banda el 17 de Junio del año pasado, es la primera pista en la evolución que toma TKOL. Aunque de igual forma se siente una influencia tremenda de los trabajos en solitarios de Thom Yorke (The Eraser y varios singles y EP´s) y Jonny Greenwood (The bodysong, y trabajos en OST's) pero sin perder la escénica de banda, ya que cuenta de poderosas lineas de bajo patrocinadas por Collin Greenwood; atmósferas profundas y llenas de texturas que son "trademark" de Ed O´Brien y un increíble trabajo en la sección rítmica por parte de Phil Selway, que cabe recalcar que inclusive los samples loopeados durante muchos de los tracks el los grabó.


Antes de compartir mi critica musical referente a las canciones de este disco, creo que importante mencionar algunos aspectos que rondan a este álbum, como por ejemplo el hecho de que solo contiene 8 tracks y una duración total de 37 minutos (digo "solo" por que soy fan y soy bien aferrado y aun que hubieran puesto 23 tracks no hubiera estado satisfecho, siempre queremos mas!) y he leído en varios blog, que esto ha generado conflicto a varias personas, ya que salen con comentarios como "¿4 años para solo 8 canciones?!" o en ocasiones hasta desvirtúan los trabajos en solitario con el pretexto de que descuidan a la banda; a mi parecer, creo que esta bien, o mas bien, es irrelevante, ya que no hay libro de reglas que diga cuantas pistas debe tener un álbum, aunque se le denomine LP (Long Play) y siento que si fue el resultado de su proceso creativo es completamente valido y mas que LP es un compilado de 8 Singles. Ahora, por otro lado, esto ha generado teorías de conspiración mundial (la neta no, nomás son mal viajes de fans) sobre una segunda parte o continuación de TKOL, eso y pequeños detalles como el que hayan adelantado al fecha sin razón, la poca promoción, que el ultimo track se llama Separator y sus letras contengan frases como: "If you think this is over, then you're wrong - Si tu crees que esto se termino, entonces estas muy equivocado", o el que el archivo oficial de descarga se llama "TKOL1" (Si hay un uno, habrá un 2… ¿no?…¿NO?!) o que hicieron lo mismo con el Kid A y el Amnesiac también denominado "Kid B" en el 2000 y 2001 respectivamente. Pero al final solo son suposiciones y solo el tiempo tendrá la ultima palabra… bueno, no el tiempo, Radiohead.

Ahora, en cuanto a la música (lo importante pueeeees), el calificativo mas adecuado para TKOL seria RÍTMICO, ya que en las propias palabras de Yorke "la música actual es únicamente ritmo, se le da más importancia a la métrica y el beat, que a la melodía y armonía" y The King Of Limbs no carece de esa filosofía. Los primeros 4 tracks son una fusión de 2-step británico, IDM orgánico (la nueva tendencia de lo electrónico under, "organic-electronic" sampleos de instrumentos acústicos e inclusive grabado al momento a manera de loop) y todo envuelto en las texturas y la voz de Yorke. El disco nos da la bienvenida con Bloom, que al igual que sus subsecuentes tres canciones, se enraíza mayormente en el ritmo, el cual es un loop de batería grabado por Selwey y poco a poco va presentándonos a los demás instrumentos para darle entrada a la voz de Thom, cargada de delay y reverb, a manera cuasi hipnótica, cual mantra. Bloom marca la pauta de lo que viene a continuación, canciones casi carentes de guitarras, solo con toques ligeros de melodía pero fuertemente cargadas de ritmo, el cual es generado por extensos loops y sampleos de batería, lo que divide el álbum en 2 secciones a mi parecer.

Siguiendo en la sección uno, aparecen "Morning Mr Magpie" (para mi, la parte fuerte de la sección) y "Little By Little"; misma dinámica que en Bloom, solo que ya mejor estructurada, con más forma de canción, pero manteniendo la carencia de melodías, pasando las guitarras a un plano que por momentos se siente más que secundario; me atrevería a decir que la melodía que hay en estas canciones, es solo la que brinda las lineas vocales. De ahí pasamos a la cuarta canción (la que cierra la sección uno), "Feral". Me aventuraré a decir (hociconear mas bien) que Feral es a TKOL lo que "Hunting Bears" es a Amnesiac, transición instrumental, pero eso sí, de la mejor calidad. Aquí, a parte de la carga rítmica, experimentan con la disonancia, o la atonalidad (lo cual es más que obvio trabajo de Greenwood), ya que la carencia de letras es reemplazada por cortos fraseos vocales y un sintetizador volando en la canción en una escala forzada, llena de notas de paso de la escala original.

Después de el festín de ritmo, empieza lo que denomino, la sección dos del disco que da entrada a canciones un poco más convencionales y tranquilas (menos atascadas), empezamos con "la del video" Lotus Flower, la cual fue el primer sencillo y video de TKOL, fue publicada el mismo día del lanzamiento. Ya aquí dejando atrás los loops, grabando a Phil de una manera "convencional", un ritmo más relajado y melodías más marcadas, lo que puede generar la sensación de estructura común de verso/coro/verso. Insisto, que a pesar de que Radiohead procura no repetirse y que sus álbumes no sean replicas entre ellos, creo que a partir de Lotus Flower se siente una ligera reminiscencia a In Rainbows, o por lo menos eso me evoca su tranquilidad, más aún en Codex, el siguiente tema, que nos da entrada con un piano tranquilo, repetitivo, hipnótico y melancólico, evocando temas como Videotape o Pyramid Song; aunque Codex, en lo personal, creo que es de los temas mas hermosos jamás hechos por la banda. Aparte del piano, un increíble arreglo de cuerdas, una letra y melodía vocal hermosa y a diferencia de la sección 1, aquí solo hay un bombo (bass drum) marcando compás en 4/4 casi a manera de metrónomo, por momentos imperceptible.

El siguiente track se llama Give Up The Ghost, que al igual que Lotus Flower, son temas que llevan tiempo flotando por ahí, y han sido tocados por Yorke en sus presentaciones en solitario, o con Atoms For Peace (banda convocada para interpretar sus temas solistas). Aquí es donde se marca otra pauta en el disco, ya que hay melodía y hay guitarra y esta lleva la melodía y ritmo. Creo que es una versión poderosa y Nigel Godrich (productor virtuoso que ha trabajado con Radiohead desde Ok Computer) realizó un excelente trabajo en cuanto a mezcla y post producción como siempre, solo que en mi opinión, siento que es un tema que tiene más fuerza cuando es tocado por Thom en solitario, ya que realiza loops de voz en vivo o "on the fly" dándole más valor a la simpleza se esta pieza. Y para cerrar el disco viene Separator, con un feeling mas Radiohead en los B-sides del In Rainbows (es la hermana mellow de Bangers and Mash y Down Is The New Up) y también es una canción que lleva rato volando sin rumbo, antes conocida como Mouse Dog Bird, y finalmente encontró donde caer, cerrando el TKOL de una manera impecable.

The King Of Limbs es un disco de gusto adquirido definitivamente, y más que nada para fans de la banda, o personas en busca de lo experimental que hay hoy en día (sentí algo de influencia de artistas como James Blake y Jon Hopkins), pero en general es un muy buen disco, no el mejor de Radiohead pero tampoco un mal disco, al contrario, un gran álbum. Seguro verán en la red gente quejándose de que no es un Ok Computer, The Bends o incluso un Kid A, pero si ese fuera el caso ¿donde quedaría la evolución como banda? TKOL representa mucho por si solo, aunque ya cuenta con un background de tremendos discos, lo que le brinda a Radiohead la oportunidad de hacer lo que quieran, sin importar nada más, para muestra el video de Lotus Flower (si a ese Yorke le importaran las criticas no bailaría tan cagado). Pero en conclusión es un disco que mientras más escucho, más me gusta, y le encuentro más forma. ¿Mi calificación? creo que un buen 8 (siendo sinceros la primera vez que lo escuché, antes de llegar a Codex le daba un 7, pero fue apresurada esa calificación)

aquí les dejo unos links para que lo descarguen.

http://www.megaupload.com/?d=RKHFOS24

http://www.mediafire.com/?wrvzqhizcn50kcn